Наум габо фонтан перед больницей сейнт томас

Наум Габо

Наум Габо (Неемия Беркович Певзнер) родился 5 августа 1890 года в Брянске. Его родители Борис (Берко) Григорьевич Певзнер и Агрипина (Фанни) Борисовна Певзнер (ур. Озерская). В возрасте 15-ти лет переехал в г. Томск. В 1904 г. он был исключен из брянской школы за не слишком любезные стихи в адрес директора, в 1907 г. ненадолго арестовывался за участие в распространении нелегальной литературы среди рабочих и крестьян. Тогда же начались его первые опыты в живописи.

Наум Габо

С 1910 г. Наум Певзнер учился в Мюнхене, сначала на медицинском факультете университета, затем в политехническом институте. Не забывал и о живописи — посещал лекции по истории искусств, путешествовал по Италии, где главной его целью были местные музеи.
К искусству Певзнер обратился по примеру старшего брата, художника Натана (Антона) Певзнера. Первые работы — «конструктивные головы» из дерева и металла — были им созданы в 1915 году, во время пребывания в Осло. Он подписал их псевдонимом Габо, чтобы отличить себя от брата Антуана.
В марте 1917 года братья Певзнер вернулись в Россию. В 1920-х году преподавал во ВХУТЕМАСе, работал в Отделе изобразительных искусств при Наркомпросе.
готовил различные художественные проекты, выпускал журнал. Совместно со скульптором Г. Клуцисом братья организовали на Тверском бульваре в Москве уличную выставку своих работ. Тогда же, в 1920 году, Габо выполнил и знаменитую «Кинетическую конструкцию», приводившуюся в движение электромотором и ставшую прообразом «мобилей», делает образцы монументальной утилитарной пластики, в частности проект радиовышки в Серпухове.
В 1920 году в Москве Наум Габо с братом Натаном Певзнером выпустили «Реалистический манифест», отстаивая идею «глубины» как единства пространства и времени, движения и массы, но отвергая линию, объём и цвет как чисто внешние, «живописные» элементы. Идеи манифеста значительно повлияли на искусство и архитектуру XX века. Главная мысль манифеста:

«Пространство и время-единственные формы, в которых строится жизнь, и стало быть, должно строиться искусство». Впоследствии Габо развил идеи манифеста в концепцию «конструктивной скульптуры»: «…Я строю ее образ из ничего. Образ рождается изнутри, и пространство также является важной его частью»; «Я не отделяю содержание от формы, они едины. Произведение не говорит о чем-то: оно существует само по себе»; «Я говорю о своем произведении, что его могла бы создать природа, но не создала. Однако природа делает это через меня, а я создан природой… Произведение абстрактно только в своем методе».

Источник

Полвека спустя: кинетическое искусство снова в моде?

Очевидно, людям нравится движение: если они сами не ведут подвижный образ жизни — сидя в офисе, машине и дома — за них это делает кто-то другой. Или что-то другое: световые мобили, интерактивные инсталляции, цифровые изображения — основу этому разнообразию динамических объектов положило направление кинетического искусства, возникшее в середине XX века. Искусствовед Тамара Вехова рассказывает, почему сегодня тема подвижной художественной формы приобретает новую актуальность.

Тамара Вехова искусствовед, эксперт, арт-консультант, куратор. Член Международной ассоциации искусствоведов AIS-AICA

Почему это актуально

Сегодня наш мир проходит через небывалые испытания, и даже самым заядлым оптимистам и скептикам становится ясно, что новая реальность будет принципиально отличаться от нашей прежней жизни.

Искусство всегда являлось своеобразным барометром, нейронной сетью, фиксирующей актуальное состояние общества: его надежды и страхи, ценности и сомнения, достижения и разочарования.

Кинетическое искусство как явление сформировалось после Второй мировой войны, в чрезвычайно нестабильном мире, где будущее выглядело туманно, а прошлое было сплошной травмой и катастрофой. Художники той эпохи пытались изобразить свой опыт двумя разными путями: сперва появился абстрактный экспрессионизм, где предметно-сюжетный мир как явление ненадежное и опасное отсутствовал в принципе, а все внимание было сосредоточено на передаче ощущений и эмоций. Вслед за ним появилось направление кинетизма, в котором художники исследовали изменчивость и нестабильность этого мира в качестве его нового потенциала.

Кто это придумал

Первые эксперименты в этой области были сделаны еще в 1920-х, когда художники Владимир Татлин и Александер Колдер, вдохновляясь силой, скоростью и возможностями нового времени, создали произведения искусства с подвижными элементами.

Александр Колдер. Мобиль «Рыба», созданный из осколков цветного стекла, проволоки и стального прута, в 2019 году был продан на аукционе Christie’s за $17,5 млн. Фото Artchive

Александр Колдер. Ртутный фонтан (1943)

Владимир Татлин. Памятник III Коммунистического интернационала (1919-1924)

Но официальной датой рождения кинетического искусства считается 1955 год, когда в одной из парижских галерей открылась выставка под названием «Движение». На ней были представлены самые яркие и талантливые художники, создававшие работы, главным свойством которых была способность двигаться и изменяться, в то время как за ними наблюдает зритель. Художники, принявшие участие в той выставке, сегодня являются самыми известными и почитаемыми представителями кинетизма — Жан Тэнгли, Марсель Дюшан, Александр Колдер, пионер оп-арта Виктор Вазарели.

В Советском Союзе пик популярности кинетического искусства пришелся на 1960-е, его расцвету послужила официально культивируемая мода на разнообразный научпоп. Самые известные русские кинетисты — это Владислав Колейчук и Франциско Инфанте.

Франсиско Инфантэ-Арана. «Пространство-Движение-Бесконечность» (1963)

Выставка «Движение» (1955) в галерее Дениз Рене. В выставочном зале работы Марселя Дюшана, Жана Тэнгли, Александра Колдера и Хесуса Рафаэля Сото. Фото monoskop.org

Марсель Дюшан. «Вращающаяся полусфера» (1924). Фото Artchive

Виктор Вазарели. «Вега-Op» (1969)

Хесус Рафаэль Сото. Blue Penetrable (1969)

Жан Тэнгли. «Фатаморгана» (Метагармония IV)» (1985). Фото 2008, ProLitteris Zurich. Кристиан Баур, Базель

На самом деле, все мы знакомы с этим направлением куда лучше, чем думаем. С тех самых пор и по сей день художники-кинетисты выполняют большие заказы на создание вращающихся фонтанов и подвижных скульптур, которые мы часто встречаем в разных городах мира.

Наум Габо. Фонтан перед больницей Сейнт Томас (1973, Лондон). Фото Artchive

Жан Тэнгли. «Эврика» (1964, Цюрих). Фото Artchive

Хесус Рафаэль Сото. Инсталляция в Королевском банке Канады (1978). Фото Artchive

Рем Колхас. Prada Transformer (2008-2009, Сеул) — павильон по мотивам супрематического искусства начала XX века. Фото Arhitime

Charles Sowers Studios. Инсталляция “Wideswept”на фасаде музея Randall (2011) — кинетический модуль, управляемый ветром. Фото Arhitime

Make Architects. Оригами-киоск (2014, Лондон) — кинетический арт-объект. Фото Arhitime

В чем идея

В 1959 году Жан Тэнгли устроил перформанс. Он пролетел на аэроплане над городом Дюссельдорф и разбросал 150 тысяч листовок со своим художественным манифестом: жить нужно в настоящем, единственная постоянная и стабильная вещь, единственная доступная реальность — это движение.

Главной ценностью и объектом исследования в кинетическом искусстве является возможность разнообразного активного поведения в пространстве. Задача художника — «оживить» предмет, дать второе рождение: придумать ему новую форму, задачу и смысл. Скульптуры приводятся в действие с помощью электрических моторов, воздуха, света. Кинетическое искусство ничего не изображает, оно идет дальше, создавая параллельную 3D-реальность: в ход идут не только предметы, но и пространство, свет, звук и даже запах. Кинетисты стремятся задействовать все типы восприятия, все органы чувств. Выходит, что столь модная сегодня иммерсивность была открыта в середине предыдущего столетия. Кинетизм — это не только художественное течение, но еще и своеобразная лаборатория, в которой художники изобретали и тестировали ту реальность, в которой мы оказались сегодня.

Выставка «Трансатлантическая альтернатива. Кинетическое искусство и оп-арт в Восточной Европе и Латинской Америке в 1950-1970-е» в Музее современного искусства «Гараж» (2018, Москва). Фото Музей современного искусства «Гараж»

Выставка «Трансатлантическая альтернатива. Кинетическое искусство и оп-арт в Восточной Европе и Латинской Америке в 1950-1970-е» в Музее современного искусства «Гараж» (2018, Москва). Фото Музей современного искусства «Гараж»

Наталия Прокуратова. «Линеарное пространство» (1969). Выставка «Лаборатория будущего. Кинетическое искусство в России» в Центральном выставочном зале «Манеж» (2020, Санкт-Петербург). Фото Пресс-Служба ЦВЗ Манеж

Август Ланин. Проект оформления магазина-салона «Электроника» в Воронеже (1973). Выставка «Лаборатория будущего. Кинетическое искусство в России» в Центральном выставочном зале «Манеж» (2020, Санкт-Петербург). Фото Пресс-служба ЦВЗ Манеж

Вячеслав Колейчук. «Сферы» (1971). Фото Архив Вячеслава Колейчука

Дьюла Кошице. «Капля воды с кругами» (2007). Фото Kosice Museum

Кинетическое искусство в ХХI веке

В конце 1970-х кинетизм уходит от чистого искусства в дизайн, рекламу и оформление городского пространства. В эти годы реплики мобилей Колдера становятся таким же популярным украшением интерьеров рядовых граждан, как репродукции Мона Лизы.Любопытно, что и сегодня кинетизм продолжает жить и развиваться. Самым известным современным кинетистом можно назвать голландца Тео Янсена. Янсен создает громадные ажурные конструкции, напоминающие одновременно скелеты животных и чертежи фантастических машин Леонардо да Винчи. Его «питомцы» передвигаются самостоятельно по пустынному песчаному побережью Нидерландов, потребляя энергию ветра с помощью пропеллеров, парусов и крыльев.

Не менее интересны работы американца Энтони Хоу, также использующего силу ветра. Его изящные металлические мобили производят совершенно гипнотическое, завораживающее впечатление.

«Живая» скульптура Тео Янсена

«Живая» скульптура Тео Янсена

Энтони Хоу «About Face» (2013). Фото Anthony Howe

Где купить и сколько стоит

Кинетическое искусство, так же как и любое другое, продается и покупается. На больших ярмарках типа ArtBasel или Brafa можно купить мобили Колдера и других классиков-кинетистов. Понятно, что на первый ряд имен, чьи работы представлены в музейных собраниях, цены также «музейные».

Я советую присмотреться к работам молодых авторов, а также обратить внимание на современных русских художников-кинетистов, чьи скульптуры стоят совершенно разумных денег. Кстати, многие выдающиеся коллекции искусства были собраны именно в моменты жестоких кризисов и дефолтов, когда бедные художники и галеристы в испуге продавали свои сокровища значительно дешевле рынка — лишь бы купили.

Кинетический фонтан в саду, интерьерные панно, пребывающие в непрерывном медитативном движении, подвесные конструкции, оживающие в воздушном потоке, — эти произведения могут украсить не только наши дома, но и нашу жизнь, напоминая о том, что изменчивость и нестабильность этого мира таит в себе бесконечный потенциал для новых, легких, динамичных и неожиданных решений.

Виктор Вазарели. “Munich Olympics” (1972). 120 000 руб. Галерея The Personal. Фото The Personal

Иван Блэк. Black Ellipse. Фото Ivan Black

Иван Блэк. Nebula. Фото Ivan Black

Александр Колдер. Petit Mobile sur Pied (1953). $1 850 000. Cardi Gallery. Фото Cardi Gallery

Томас Сарацено. Zonal Harmonic 2N 90_9 (2019). $71 000. Tanya Bonakdar Gallery. Фото Tanya Bonakdar Gallery

Фото на обложке предоставлено Тамарой Веховой.

Источник

Искусство в четырех измерениях, включая время.

Наум Габо (Наум Неемия Певзнер) — русский скульптор, участник движения конструктивизма и Пионер кинетического искусства.

Родился Наум Неемия Певзнер в 1890 году.(позже выбрал себе другую фамилию, так как его брат, Антон Певзнер).

Вырос в еврейской семье из шести детей в провинциальном русском городе Брянске, где его отец владел фабрикой. Его старшим братом был коллега-художник-конструктивист Антуан Певзнер. Габо свободно говорил и писал на немецком, французском и английском языках в дополнение к своему родному русскому языку. Он владел несколькими языками, что значительно способствовало его мобильности во время его карьеры.

После школы в Курске, Габо поступил в Мюнхенский университет, в 1910 году, сначала изучал медицину, затем окунулся в области естественных наук и изучению истории искусств. Его преподавателями были Генриха Вельффлин; усвоил знания и идеи Эйнштейна и его коллег-новаторов научной теории, а также Анри Бергсон.

1912 переведен в инженерное училище в Мюнхене, где он познакомился с абстрактным искусством, читая Кандинского, о духовном в искусстве; 1913-14 присоединился к своему брату Антуану (который к тому времени был признанным художником) в Париже. Инженерная подготовка Габо была ключом к развитию его скульптурных работ, в которых часто использовались обработанные элементы. За это время он завоевал признание многих критиков и такие награды, как медаль Логана за искусство.

1914 переехал сначала в Копенгаген, затем в Осло со своим старшим братом Алексеем, 1915 сделал свои первые конструкции под именем Наум Габо (изменил свое имя, чтобы избежать путаницы с Антуаном); его первые объекты были соединением картона или дерева, такие как «Голова № 2», был эксперимент в изображении объема фигуры без создания его массы.

1917 вернулся в Россию, чтобы участвовать в политике и искусстве, прожив пять лет в Москве с Антуаном.

Участвовал в агитационных выставках под открытым небом, преподавал в Высшей художественно-технической мастерской ВХУТЕМАСе вместе с Татлиным, Кандинским и Родченко. В этот период рельефы и конструкции стали более геометрическими, и Габо начал экспериментировать с кинетической скульптурой, хотя большая часть работ была утрачена или уничтожена. Проекты Габо становились все более монументальными, но не было возможности применить их на практике: «это был разгар Гражданской войны, голода и беспорядков в России. Найти какую-либо часть оборудования. было практически невозможно».

Источник